RRevista

1. Renacimiento

El arte como lo conocemos hoy en día se gestó en este periodo, fue un momento histórico y cultural que representó la transición a la edad moderna. Trató sobre el resurgir del arte clásico, es decir, copiar o reinterpretar el arte de Grecia, tomando como centro de sus obras al hombre, teniendo un mayor humanismo y antropocentrismo.

El renacimiento italiano se dividió principalmente en dos grandes etapas: 

• Quattrocento (Siglo XV): Etapa inicial se sigue representando figuras religiosas, pero aparecen motivos mitológicos. Surge el mecenazgo hacia los artistas con las familias más ricas de Florencia como los Medici.

• Cinquecento (Siglo XVI): Etapa de apogeo del movimiento. Se caracteriza por un equilibrio, proporción y armonía. El centro cultural se trasladó a Roma y destacaron genios que alcanzaron un nivel de perfección técnica y estética como da Vinci, Miguel Ángel o Rafael.

2. Barroco (1600–1750 ) y  Rococó (1720–1780)

Período en respuesta al renacimiento, gesta un estilo anti-clásico, menos racional y más apasionado. El arte se volvió dinámico y teatral, buscaba sorprender y asombrar, recrudeciendo la realidad.

El rococó surge dando un giro al barroco por el enfado de la aristocracia francesa, pretendía ser menos serio y más sentimental, abundando en erotismo, delicadeza, elegancia, sensualidad y gracia haciéndolo más juguetón y frívolo,   

3. Romanticismo (1790–1880): Está lleno de sentimientos, de imperfecciones, se vuelve dramático y violento. Todo es subjetivo. El individualismo y la rebeldía son parte de la actitud en el arte. Se populariza la idea del artista como genio, como creador, como Dios.

4. Realismo (1840–1870): Rechaza lo emocional y exótico. Intentaba mostrar lo cercano como la vida cotidiana. Adopta una postura política, denunciando injusticias sociales y comprometiéndose con las clases bajas.

5. Impresionismo (1872–1882): Intenta plasmar la luz y el instante. Las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas, es decir, los colores no se mezclan y las pinceladas no se ocultan, así las partes dan lugar a un todo.

6. Post impresionismo (1880–1910): Asentó las bases del arte moderno, utiliza colores vivos, pinceladas poco discretas y unas temáticas basadas en la vida real. Las pinturas post impresionistas son unas de las piezas más caras en la historia del arte.

7. Art Nouveau (1890–1905): «El futuro ya ha comenzado«. Se valora lo artesanal sin renunciar a los avances industriales, y se democratiza la belleza, potenciando la idea de que hasta los objetos más cotidianos deben tener un valor estético, además de ser accesibles a toda la población. Desaparece la jerarquía de artes mayores y menores. 

8. Art Decó (1900–1945): Desarrollado en París y más tarde cultivado en Hollywood como el estilo de las estrellas, fue durante años el símbolo del glamur. Unió a todas las artes en diversos objetos pequeños hasta edificios.

9. Fauvismo (1905–1933): La primera vanguardia. Fauvismo es liberar el color. Ignora los claroscuros y las perspectivas y busca expresar sentimientos a través de las pinceladas.

10. Expresionismo (1905–1933): Coincide temporalmente con el fauvismo francés, no obstante, difiere por tener un matiz más pesimista, muestra lo morboso, lo prohibido, lo obsceno. Es decir, deforma la realidad para expresarla de forma subjetiva.

11. Cubismo (1907–1917): Consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad, mejor explicado, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles en un mismo plano.

12. Futurismo (1909–1920): Celebra el mundo moderno de la industria y la tecnología, y expresaba la idea del dinamismo, la energía y el movimiento de la vida moderna.

13. Dadaísmo (1916–1923): Dadá es anti-todo. Anti-arte, anti-literatura. Dadá es destrucción creativa, el caos y el azar, tirando hacia lo escandaloso.

14. Surrealismo (1924–1966): Se trata de dejar al subconsciente trabajar, ya sea mediante escritura o pintura automática. Plasma sin filtros, es libre y espontáneo. Suele ser incongruente y onírico

15. Expresionismo Abstracto (1943–1965): Posterior a la Segunda Guerra Mundial, las piezas incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense

16. Pop-Art (1955–1980): Manifiesta que la cultura de su tiempo consume, es adicta a la tecnología, el ocio y la moda. Entonces, el arte otro producto que se puede producir en serie, todo fabricado, empaquetado y listo para venderse como cualquier otro producto.

17. Arte conceptual (1960): La idea es lo importante, la ejecución es superficial. Lo relevante es la planificación y las decisiones que se toman antes de la pieza. No tiene que ser bonito, tiene que transmitir una idea.

18. Land Art (1968): Híbrido entre la escultura y la arquitectura, arte de la naturaleza en la naturaleza y generado a partir de ella, con sus propios materiales y entornos naturales. El paisaje, es su concepto fundamental.

19. Minimalismo (1960–1970): “Menos es más”. Se compone de objetos de alto contenido intelectual pero de bajo contenido de manufactura, dejando fuera toda emoción.

20. Street Art (1975): Pintura libre, ilegal, y generalmente urbana.
Arte en la calle con inscripciones en muros de carácter satírico o crítico.