Estamos ahí, entre materiales, conversaciones y una pieza que todavía puede cambiar.
El artista oaxaqueño nos habla de su madre, Carmen; de los sueños que prefiere conservar un poco más; de la ciudad que extraña incluso cuando viaja y de una práctica creativa que nunca ha entendido como una obligación de demostrar algo, sino como una forma de estar bien. Hay algo que compartimos con él desde RREVISTA: la fascinación por lo que sucede antes del resultado, por las decisiones, los accidentes y las historias que se revelan mientras algo toma forma. Para Amador Montes, el proceso no es el camino hacia la obra. También es la obra.
“¿Y cómo te fue con Pedro?”, me pregunta el maestro Amador Montes.
Se refiere al maestro Pedro Friedeberg, a quien entrevisté dos años antes de su fallecimiento y me gusta que nuestra conversación comience ahí, en la curiosidad por el encuentro con otro. Antes de hablar de su obra, hablamos de nosotros, de lo que ocurre cuando nos sentamos frente a alguien y nos permitimos escuchar de verdad.
No preparé un guion. No porque no tuviera preguntas, sino porque prepararlas me pareció, de pronto, una manera de decirle al universo que nunca más volvería a sentarme con Amador Montes. Quería llegar dispuesta a escuchar, dejar que una respuesta abriera otra puerta y aceptar que hay conversaciones cuyo recorrido no se puede anticipar.
El maestro nos invitó a su casa, a su galería y a su estudio. Ahí estaba, trabajando en “El Nido”, una escultura de aves con una escala más pequeña a una que presentará el 19 de noviembre en Mérida. Las ramas todavía encontraban su lugar; había decisiones pendientes y posibilidades abiertas. No estábamos frente a una pieza terminada, sino frente a algo que todavía estaba sucediendo.
En RREVISTA nos interesan precisamente esos momentos: cuando una idea todavía no encuentra su forma definitiva, cuando el trabajo conserva las marcas de las decisiones que lo construyen y cuando conocer el proceso nos permite mirar de otra manera el resultado. No queremos acercarnos únicamente a lo que alguien hace, sino también a cómo lo hace, qué lo mueve y qué ocurre mientras lo intenta.
Con Amador encontramos esa conversación. Hablamos de arte, sí, pero también de la infancia, la pérdida, los errores, las casas que habitamos y aquellas que seguimos soñando. Hablamos de lo que significa crear cuando no se trata de demostrar nada, sino de encontrar un lugar propio en el mundo.
Créditos
Fotografía: @zowie.tiff Realización y texto: @isamar.jpg Artista: @amador.montes agradecimiento especial @zuleperez_88
“Nunca fui buen dibujante, nunca fui buen colorista”
Amador Montes es diseñador gráfico de profesión. Sin embargo, cuando habla de su relación con el dibujo, no lo hace desde la idea de una destreza extraordinaria ni desde la historia de alguien que desde niño supo que sería artista. Su relato comienza en otro lugar: en el placer de hacer.
“La realidad es que en mis principios no tenía pensado ser artista, ni ser famoso, ni ganar dinero. A mí me gustaba hacerlo, hacer las cosas. Era algo que me bajaba, que me situaba, que me ponía en el centro. Y eso lo he estado repitiendo durante 25 años. Obviamente, al hacer eso, se vuelve un oficio. Te vuelves un poquito más experto, ya sabes el resultado. Pero me divierte muchísimo; me la paso muy bien haciendo este tipo de trabajo”.
Después lo dice sin solemnidad, como quien no necesita construir un personaje alrededor de su profesión:
“Nunca fui buen dibujante, nunca fui buen colorista. No es que lo comprobara, no es que me interesara saber si era bueno o no; simplemente me gustaba. Yo veía una proporción del rojo con el amarillo, del gris con el verde o del azul con el rojo, y decía: “Qué bonita proporción, qué padre se ve esto”. No sabía qué era, pero me gustaba”.
De niño dibujaba con crayolas, gises, carbón y plumas Bic que podía terminar en una sola noche. No estaba pensando en la técnica, en la historia del arte ni en la manera correcta de utilizar un material. Dibujaba porque hacerlo le permitía entrar en otro lugar, uno que podía inventar cuando el mundo exterior no siempre le resultaba cómodo.
Con los años, esa necesidad se convirtió en un oficio, pero no desapareció su carácter lúdico. A sus 51 años, Amador reconoce que su obra se ha vuelto más pensada, más sensata y menos irreverente. Ha viajado, leído y observado a otros artistas; ha aprendido a elegir con más conciencia. Sin embargo, no quiere perder la capacidad de sorprenderse.
“Antes era como un juego, venía a jugar y eso. Hoy, después de tantos años de estar haciendo lo mismo, de ver otros personajes, viajar, leer y entender qué me gusta del arte, empiezas a escoger un poquito más lo que te gusta. Le pones más atención a tu trabajo. Pero también me gusta estar como muy nuevo”.
Esa tensión entre la experiencia y el juego atraviesa su manera de trabajar. Amador puede pasar una jornada entera pintando, pero también dedicar el día a leer, caminar, observar o sembrar una planta. No entiende la creatividad como una línea de producción ni mide necesariamente el valor de un día por la cantidad de piezas terminadas.
“Siempre es la actividad creativa la que, de alguna forma, me sana o me hace estar tranquilo. Hay días en los que vengo al taller, leo, veo cosas y no hago nada de producción. Pero hago mucho: estoy viendo otras cosas, salgo a caminar, se me ocurre hacer jardinería. Mis días cambian y eso me gusta”.
En su taller hay una frase que resume parte de su filosofía: aprender a mirar.
“Yo creo que un artista debe ser muy curioso, muy observador. Eso te permite tener tus personajes, tus situaciones y entenderlas. Me gusta observar cómo viene vestida una persona, qué me quiere decir con su ropa, por qué entró así, qué pretende. También me gusta platicar con la gente, entender su forma de ser. Todo eso te da información para que un día puedas crear una novela, un cuadro, una película o algo”.
Para él, la arquitectura, la moda y las artes visuales no son disciplinas aisladas. Son registros de una época, de una sociedad y de las personas que la habitan. La ropa puede contar una historia; un material, revelar una forma de relacionarse con el mundo. Todo empieza por prestar atención.
El proceso es la historia
Hay una frase que Amador repite durante nuestra conversación y que podría funcionar como una declaración compartida entre él y RREVISTA: “El proceso me encanta”.
No lo dice una sola vez. Vuelve a la idea mientras habla de pintura, escultura, arquitectura y de las conversaciones que ha tenido con músicos, cineastas y otros artistas. Le interesa conocer cómo una idea se transforma, qué decisiones la modifican y qué sucede antes de que llegue a ese punto en el que todos la consideran terminada.
“El proceso me encanta. El proceso de casi todo. He tenido oportunidad de platicar con gente que admiro mucho, con artistas que componen, que escriben, que hacen música o cine, y casi todos me cuentan el proceso. Nadie me cuenta el final. Te dicen: “¿Escuchaste la canción? Mira, se trata de esto”. Y yo pienso: si ya está el final, ¿para qué? A mí me interesa cómo llegaron hasta ahí”.
En RREVISTA también creemos que una historia no empieza cuando se presenta una obra, se inaugura un espacio o se muestra un objeto terminado. Empieza mucho antes: en la intuición, en la primera conversación, en las pruebas que no funcionan, en la decisión de cambiar de dirección. En aquello que no siempre se ve, pero que transforma lo que finalmente llega a nuestras manos.
Por eso me interesa encontrarme con Amador mientras trabaja. “El Nido” la escala pequeña todavía no está resuelta y él no parece tener prisa por cerrar las posibilidades. Puede observar una rama, modificar su posición o decidir que es mejor dejarla como está. En ese momento, la escultura no es solamente una pieza en construcción; es una conversación entre la intención del artista y lo que el material le permite descubrir.
“A veces ves algo con los clavos por fuera y dices: “Se ve hermosísimo así”. Después lo cortan, lo tapan, lo pintan de blanco y ya queda muy pulcro, pero detrás de eso había algo. Siempre me ha gustado más la obra en proceso, las pruebas que la cosa final. La pintura también te da esa oportunidad de estar viendo sus procesos. Me encanta”.
Su interés por el proceso no es una manera de restarle importancia al resultado. Es una forma de reconocer que el resultado no cuenta toda la historia. Una pieza terminada puede mostrarnos una decisión; verla en construcción nos permite entender las posibilidades que tuvo enfrente y el camino que eligió.
También hay algo generoso en esa mirada. Nos invita a dejar de juzgar una obra únicamente por su apariencia final y a preguntarnos qué ocurrió para que llegara hasta ahí. La misma curiosidad puede acompañarnos al leer un libro, escuchar una canción, recorrer un edificio o conocer a una persona: mirar más allá de lo que se presenta y tratar de comprender lo que lo sostiene.
Para Amador, el proceso no es un paso incómodo que haya que atravesar antes de llegar a lo importante. Es uno de los lugares donde más disfruta estar.
El accidente también tiene algo que enseñarnos
Si el proceso es el espacio donde una obra se descubre, el accidente es una de las cosas que pueden cambiar su dirección.
Amador Montes habla de los errores sin la necesidad de esconderlos o corregirlos inmediatamente. Le interesa lo que aparece cuando una gota cae donde no debía, una forma se desvía o un material conserva una marca inesperada. No todo necesita volver a su estado original.
“Me fascina la cicatriz, me fascina el accidente, me fascina la equivocación. Las cosas que tienen que pasar. Si esa gota cayó ahí, pues ahí cayó, y entonces la dejamos ir. Eso me ha permitido ser un poquito más libre”.
La idea no significa que deje de cuidar su trabajo. Al contrario, exige aprender a distinguir entre una decisión que necesita corregirse y otra que abre una posibilidad nueva. El accidente puede ser una invitación a mirar de otra manera, a renunciar al control absoluto y a reconocer algo que no habría aparecido siguiendo el plan inicial.
“Yo creo que el error y el accidente son muy humanos. Si te permites accidentarte o errar, eso te permite visualizar otras cosas un poquito mejor. En la pintura, a mí me costaba trabajo entenderlo, hasta que dije: “Pues este es mi dibujo y este es”. Ya no voy a tratar de vendértelo ni de decirte que está padre. Este es. Si te gusta, bienvenido”.
Después compara la relación con una obra con la de quien abre su casa para recibir a alguien. No se trata de transformar cada espacio para agradar a todos, sino de compartirlo con honestidad.
“Yo creo que el dibujo y la pintura mía deben ser así. Si te gusta, qué padre, me va a encantar; y si no, a mí no me pasa nada. No tengo que estar tratando de pensarla para ti, para él o para ella”.
Mientras lo escucho, pienso en cuántas veces el deseo de que algo salga perfecto termina impidiéndonos descubrir qué podría ser. En el trabajo creativo, pero también en la vida, hay momentos en los que insistir en corregirlo todo nos hace perder aquello que volvía especial una experiencia.
En el estudio, esa reflexión tiene una forma concreta. “El Nido”, la escala, debe conservar algo de su carácter orgánico. Amador sabe que construir una estructura que parece tan sencilla en la naturaleza es, en realidad, un desafío. Las ramas necesitan encontrar un equilibrio sin perder su espontaneidad.
“El Nido es un elemento tan natural que es bien difícil de hacer. Parece sencillo, pero los pájaros lo hacen de una forma padrísima. Es orgánico, sentimental, arquitectónico. Entonces, quererlo hacer, híjole, sí está cañón. Yo decía: “Donde pongamos las ramas, si se sale una para allá, no vamos a tratar de meterla”. Y así lo fuimos haciendo”.
La pieza se construye a partir de decisiones, pero también de aquello que sucede en el camino. Amador no intenta eliminar todas las huellas del proceso para que el resultado parezca impecable. Busca una forma de equilibrio que permita que el nido siga sintiéndose vivo.
En RREVISTA nos interesa esa misma posibilidad: reconocer las marcas del camino y entender que una historia puede ser más interesante cuando no se presenta como una sucesión perfecta de aciertos. A veces, lo que parecía un error termina revelando lo que una idea necesitaba.
Carmen, el chocolate y una mesa que todavía existe en la memoria
Hay un momento de la conversación en el que el estudio parece detenerse. Hablamos de café y comida, y entonces aparece Carmen, su mamá.
Amador recuerda las tardes de su infancia, cuando tenía seis, siete u ocho años. Ella preparaba chocolate mientras él dibujaba frente a ella, en una mesa pequeña. A veces tomaba un poco de aquella bebida con el dedo, le agregaba agua y la utilizaba para pintar, embarraba una servilleta con dibujo de chocolate.
“Mi mamá entendía que venía a darnos de comer y que esa era su forma de decirnos: “Te quiero, te amo, te preparé esto”. Hacíamos un ejercicio muy bonito todas las tardes. Ella hacía el chocolate y yo me ponía a dibujar enfrente de ella. Era una comunión muy bonita en una mesa muy chiquita. Yo agarraba un poquito del chocolate, le ponía agua y lo usaba como acuarela”.
Antes de que la pintura se convirtiera en oficio, Amador ya conocía su capacidad de acompañar y guardar afectos. Cuando empezó a trabajar sobre bastidores y con óleos, aquellas tardes regresaron a su memoria: el olor de la comida, el sabor, las primeras cosas que le regaló a su madre.
“Cuando empecé a pintar más en forma, se me venía muchísimo a la mente ese momento. El olor de la comida o el sabor de la comida. Te voy a ser sincero: desde que mi mamá murió, el acto de comer ya no se me hace tan lindo. Puedo comer casi cualquier cosa, pero a veces lo hago por alimentarme, porque tengo que hacerlo. El disfrute se me fue un poquito”.
Lo cuenta sin buscar una conclusión. Hay platillos que se le antojan, pero decide no comerlos porque sabe que ya no serán como antes.
“A veces las cosas se me antojan y digo: “No, pero ya no va a ser así”. Es un espacio, un hueco que traigo muy adentro. Es complicado decirlo y hablarlo. Solamente uno sabe con quién ya no está completa esa parte de ti”.
La frase se queda conmigo.
Pienso en mi abuela María, mi abuela jarocha, y en las picadas que hacía. Pienso en esa forma de cocinar que no se puede separar de las manos que la preparaban, de la cocina en la que sucedía ni de la voz que acompañaba la comida. Una receta puede conservar sus ingredientes y sus cantidades, pero hay algo que no se reproduce cuando falta la persona que la convirtió en un recuerdo.
A veces no extrañamos únicamente un sabor. Extrañamos a quien nos lo enseñó, la mesa alrededor de la cual nos reuníamos y la versión de nosotros mismos que existía cuando esa persona todavía estaba.
En el caso de Amador, Carmen sigue apareciendo en sus dibujos.
“Me gusta dibujar la comida, las flores, dibujar a Carmen. Cuando tengo ganas de pensar en ella, dibujo algunas flores. Me acuerdo mucho de ella. Es un gran pretexto, algo que tenía desde muy niño y que nunca dejé”.
No es que el dibujo pueda devolverle lo que perdió. Es que le ofrece un lugar donde ese amor todavía puede expresarse. Mientras lo escucho, entiendo que, en su historia, crear y recordar no son actividades separadas: ambas le permiten volver a algo que sigue siendo suyo, aunque ya no esté físicamente.
Los sueños que todavía prefiere no cumplir
Le pregunto qué le falta hacer. La respuesta aparece sin rodeos: le gustaría montar una obra de teatro, pintar un telón y armar algo con la energía de un circo.
Son proyectos que podría intentar realizar, pero que por ahora prefiere conservar en su imaginación.
“Todavía hay cosas que me gustaría hacer. Siempre quise montar una obra de teatro, pintar un telón o armar una cosa como un circo. Y te voy a decir una cosa: no las he hecho porque sueño con ellas. Si me clavo, puedo hacerlas. Pero, si hago mi obra de teatro, ¿qué voy a pensar antes de dormir? Entonces prefiero seguir pensando en los personajes, en cómo serían, en cómo se haría todo, hasta que un día pase”.
Me interesa esa respuesta porque vivimos en un tiempo en el que casi todo parece exigir resultados inmediatos. Una idea debe convertirse en proyecto; un proyecto, en una fecha y en algo que pueda mostrarse. Amador se permite otra posibilidad: imaginar sin tener que resolverlo todo.
“Últimamente, las cosas se van dando. A lo mejor, cuando eres más joven, las buscas con muchas ganas. Ahora no tanto. Las cosas llegan, tocan a la puerta y te dicen: “Queremos hacer esto”. Me gusta. Como que todo se empieza a asentar un poquito”.
No significa que haya dejado de tener deseos. Significa que ya no necesita convertir cada uno en una urgencia. Puede pasar horas imaginando una puesta en escena sin saber si llegará a realizarla, y ese tiempo también forma parte de su trabajo.
Hay una conexión entre esos sueños y su fascinación por los procesos. Amador disfruta la etapa en la que una idea todavía puede tomar distintas direcciones, cuando imaginar también es una manera de hacer. No necesita conocer el desenlace para encontrarle valor a lo que sucede antes.
Algunas cosas pueden acompañarnos durante años antes de encontrar su momento; otras quizá nunca salgan de nuestra imaginación, y aun así habrán formado parte de nuestra vida.
Oaxaca: la ciudad que se lleva puesta
Hablar de Amador sin hablar de Oaxaca sería dejar fuera una parte esencial de su historia.
Nació en la ciudad y reconoce en ella una manera de vivir que ha marcado su trabajo y su forma de entender el mundo. Le gustan sus fiestas, su comida, sus textiles y la sofisticación de sus objetos cotidianos. Pero, sobre todo, le interesa la autenticidad con la que sus comunidades conservan maneras propias de nombrarse y estar en el mundo.
“Oaxaca es muy lindo, pero, sobre todo, es muy real. Tiene una sofisticación que no está hecha para quedar bien con nadie. Está en la ropa, en la comida, en los utensilios de barro, en la forma de poner una mesa. Vas a una fiesta de pueblo y sales extasiado: cómo comimos, dónde comimos, el mantel, las flores… Todo está hecho con un gusto impresionante, pero no para presumir. Es por el gusto de darte, por el gusto de sentir que estás bien”.
Su mirada se detiene en los detalles. En los colores de una falda, los listones de una trenza, la textura de una prenda usada o la cerámica en la que se sirve el mezcal. Cada elemento le habla de una comunidad, una historia y una manera de entender la belleza.
Por eso encuentra afinidades con Japón, un país que visita con frecuencia. Le interesa la atención que se presta a los objetos, a los materiales y a los rituales cotidianos. No se trata únicamente de sofisticación, sino de la relación que las personas establecen con aquello que las rodea.
Pero cuando le pregunto qué extraña al viajar, su respuesta es todavía más sencilla.
“Yo salgo mucho, viajo mucho y me encanta quedarme mucho tiempo fuera, pero, después de mi familia, lo que más extraño es Oaxaca. No mi casa, ni el taller: Oaxaca como tal. El aire, los olores… De repente empiezo a extrañar cosas. Ya quiero regresar, necesito mi aire, mi olor. A mí me das una hamburguesa de desayuno y digo: “No, es que necesito mis frijolitos”.
Hay algo muy concreto en esa respuesta. Oaxaca no es para él una postal ni un recurso visual del que pueda disponer a voluntad. Es un lugar al que pertenece, con una comida, una gente y unos ritmos que forman parte de su vida.
Su relación con la moda también nace de esa capacidad de observar. No le interesa únicamente la tendencia, sino lo que la ropa revela sobre las personas y la sociedad.
“Me gusta la moda, pero, más que la moda, me gusta la ropa. Es un registro de lo que está pasando en un momento de la humanidad. Me gusta ver cómo se viste una persona, qué significa su ropa, qué dice de su personalidad. En Oaxaca hay comunidades en las que la indumentaria dice muchas cosas: los antepasados, si una persona está casada o soltera, de dónde viene. Me encanta esa alegría de vestirse, de ser”.
Cuando lo escucho hablar de Oaxaca, vuelvo a la frase que tiene en el taller: aprender a mirar. Para Amador, observar no es una actividad secundaria a la creación. Es una de sus materias primas. Antes de pintar una figura o construir una escultura, hay que prestar atención a la vida que sucede alrededor.
Un nido a escala del que va para Mérida
Volvemos a la escultura que nos acompañó durante la conversación.
El dibujo original del nido existe desde hace unos 25 o 30 años. Para Amador, nunca ha sido únicamente una imagen de pájaros, ramas o huevos. Es una reflexión sobre la posibilidad de estar a gusto con uno mismo y de habitar una casa no solamente en términos físicos, sino también espirituales.
“Al final, es un dibujo, pero encierra mucho más. Tiene que ver con el nido como tal, con estar a gusto con uno mismo, con estar dentro de una casa en la que estés cómodo, no en el sentido físico, sino espiritual. Me gusta mucho la arquitectura de hacer una casa. También tiene que ver con un viaje a Japón, donde vi una exposición de nidos desde el punto de vista arquitectónico”.
La idea de construir una pieza para Mérida surgió de su relación con la ciudad y con las personas que fue conociendo durante sus viajes. Le sorprendió la facilidad con la que comenzaron a invitarlo a sus casas, compartir una comida y preguntarle qué necesitaba. Encontró una hospitalidad que le recordó a Oaxaca.
“Yo no soy muy bueno para hacer amigos, pero de repente la gente empezó a conectar conmigo muy padre. Se me hacía como la gente de Oaxaca, muy sureña, muy confiada: “Vente a comer a la casa”, “vente para acá”, “¿qué necesitas?”. Cuando me propusieron hacer una pieza para Mérida, dije: “Quiero hacerles un nido, porque cada casa es como un nido”.
La imagen adquiere entonces una dimensión distinta. No representa solamente el refugio de los pájaros, sino la posibilidad de reunir a una familia, recibir a alguien y construir un lugar donde sentirse bienvenido.
“Mérida me recuerda mucho a eso: a las familias que se juntan, a los primos, a los abuelitos, a pasar a ver a tu abuelita. En Oaxaca también existía mucho esa forma de abrazar las cosas. Por eso pensé en el nido para Mérida”.
La escultura también nos permite volver al tema del proceso. El dibujo tiene décadas de historia, pero la pieza que vemos en el estudio todavía está encontrando su forma. Entre una cosa y otra hay tiempo, observación y nuevas decisiones. Una imagen puede acompañar a un artista durante años y adquirir otro significado cuando las circunstancias le ofrecen una nueva manera de llevarla al mundo.
Mientras lo escucho, pienso en Carmen y en la mesa pequeña donde preparaba chocolate mientras su hijo dibujaba. Pienso en las picadas de mi abuela María, en todo lo que cabe dentro de una receta y en cómo ciertas formas de amor terminan convirtiéndose en lugares a los que volvemos, incluso cuando ya no podemos regresar físicamente.
El nido de Amador parece contener esa misma posibilidad: una casa que no es solamente un edificio, sino un espacio donde uno puede sentirse recibido. Una estructura que se construye con cuidado, pero que necesita conservar algo de espontaneidad para sentirse viva.
La honestidad de seguir haciendo
Hay una idea a la que Amador regresa cuando habla de su trabajo: la honestidad. No se refiere únicamente a la sinceridad de una persona, sino a la posibilidad de que su obra refleje el momento de vida en el que se encuentra, sin intentar parecer algo distinto.
“Yo creo que la pintura tiene que ser honesta. Para mí, eso está por encima de que esté muy bien hecha, de que tenga una buena cromática o de cumplir con todos los parámetros. Apuesto más por el artista que es real, que es honesto, como sea”.
Su manera de entender la madurez artística también pasa por ahí. No cree que una obra deba permanecer igual para responder a las expectativas de quienes la conocieron en otra etapa.
“Cuando eres joven, eres joven también plásticamente. Después te vuelves un poquito más maduro. Yo creo que ahora estoy en una etapa en la que empiezas a aterrizar muchas cosas. Estoy mucho más maduro que hace 20 años, cuando tenía 30 y era un desmadre. Mi obra también era así. Hoy valoro otras cosas”.
No habla de una evolución lineal ni de haber encontrado una fórmula definitiva. Habla de permitirse cambiar sin traicionar lo que ha sido. De reconocer que el tiempo modifica la mirada y que esa transformación puede aparecer en los materiales, los colores y las decisiones de una obra.
Pienso en cómo esa idea atraviesa también su relación con la creación: no necesita corregir su pasado para construir algo nuevo. Puede reconocer al niño que dibujaba con chocolate, al diseñador gráfico que nunca se consideró un gran dibujante y al artista que hoy se detiene a pensar cómo colocar una rama en un nido.
Al final, quizá nuestra afinidad más profunda con Amador esté ahí. En RREVISTA también nos interesa el antes, el durante y todo aquello que suele quedar fuera de la fotografía final. Nos interesa la historia detrás de una pieza, las personas que la hacen posible y las decisiones que transforman una intuición en algo que podemos ver, tocar o habitar. El proceso nos permite acercarnos al trabajo sin convertirlo en algo distante o inalcanzable.
Nos fuimos del estudio con la sensación de haber compartido algo que no cabe del todo en una entrevista. No porque Amador haya revelado un secreto, sino porque nos permitió acercarnos a una forma de entender la creación que también habla de cómo vivir.
Mientras el nido sigue tomando forma, pienso que quizá todos estamos intentando construir algo parecido: un lugar donde podamos equivocarnos sin sentir que todo está perdido, donde los recuerdos tengan espacio, donde los sueños no necesiten una fecha de entrega y donde podamos sentarnos frente a alguien sin fingir que ya tenemos todas las respuestas.
Qué dicha la mía haber encontrado una conversación. Qué dicha la de RREVISTA seguir haciendo espacio para estos encuentros, para las personas que nos permiten mirar un poco más allá de su obra y reconocer algo de nosotros mismos.
Nos encontramos a la vuelta, maestro. ¡Gracias!
TE PUEDE INTERESAR
